每當我一有演出任務，我總是提前兩個多小時進化妝間化妝扮戲。開演前一刻鐘，我一定會穿好服裝，在穿衣鏡前從頭到足檢查一遍，悄悄走到舞台旁側，站在那裡靜靜地等候大幕開啟。“早扮三光”，“晚扮三慌”，這是我四十年來的工作體會。候場時我從不就座而候，因為坐了熨燙好的服裝會起皺褶，一上台在燈光下，觀眾會看得清清楚楚，有損於人物造型。作為一個對自己塑造的角色有些要求的演員，對角色穿什麼服裝，帶什麼頭面，著什麼顏色的彩鞋，都要予以重視，哪怕是頭上戴的花，腰裡系的汗巾，都要符合角色的需要，不能信手亂來，見什麼新，見什麼好看，就穿戴什麼。

五十年代由於劇團經濟能力差，購置的戲裝大多是布質的，圖案也是貼花的多，彩袴破了還繼續穿，但大家都恪守演什麼角色穿什麼服飾，不論角色大小，嚴格執行“寧可穿破，不可穿錯”這一信條。從那時起我認識到《斷橋》中的白素貞只能穿破了頭的白彩鞋，而不能穿簇新的紅彩鞋；王寶釧在寒窯只能用黑帔而不能用其他素色帔的原委。當然，現今進入九十年代了，隨著時代的發展，戲劇人物的穿戴也在不斷改進，但不管怎麼改，從舞台人物的需要出發，這一條原則是改不了的。

假如演《琵琶記》剪發賣發中的趙五娘，頭上不戴銅泡，而滿頭珠翠，手上還戴了顆亮晶晶的“鑽戒”出場，那觀眾就會請你趙五娘不要剪發賣發了，你盡可賣掉你手上的鑽戒去置棺木安葬自己的公婆好了，即使演員在台上演得聲淚俱下，我看觀眾也不會給予同情。脫離了人物的實際，去追求所謂的美，恰恰影響了舞台人物的美。

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來源：青出於蘭